En el corazón de los años locos, las revistas de 1925

Elegancias, diciembre de 1925

      Elegancias despedía 1925 con una portada de Tono. Fue una revista mensual que se empezó a publicar en enero de 1923 por la papelera controlada por José María de Urgoiti. Revista de gran lujo y formato, presentada en papel cuché, de influencia parisina, dedicada a la moda y los diseñadores. Este número costaba tres pesetas y su director era Francisco Verdugo. Contaba con delegados en París. Dibujaban mujeres españolas, modernas y estilizadas. Mundanas. La moda y sus complementos. Los deportes, como el esquí; el diseño de espacios, o el automóvil, en plena eclosión. Anuncios de marcas sofisticadas, hoteles lujosos. Productos y establecimientos relacionados con la belleza y el estilo. Hoy diríamos, estilismo. Su público era la alta burguesía o la aristocracia de nuevo cuño.

     En el número de diciembre de 1925 contaban qué sombreros se llevaban o la elegancia femenina en los cuadros de Tiziano y Van Dyck junto a un relato de Isabel de Palencia (Beatriz Galindo), pseudónimo de Isabel Oyarzábal.

       En el número de enero de 1926, los peinados de moda, el elogio de Berta Singerman, la colaboración de Isabel de Palencia, los modistos que hacían perfumes, el esquí o el calzado, las galerías de arte, consejos sobre salud o la limpieza de los tapices; ropa interior de moda; el cuidado de los perros; el divorcio de Natacha Rambova y Rodolfo Valentino; lo que se iba a llevar en el cercano carnaval de 1926; y cómo ser la mujer perfecta.

Gran Vida, diciembre de 1925

     El ejemplar de Gran Vida de diciembre 1925 estaba protagonizado por Severiano Goiburu, futbolista que triunfó en Osasuna, Barcelona y Valencia. Gran vida fue una revista especializada en deportes que incluía notas de sociedad. Estaba dirigida por Vicente de Castro Les. De periodicidad mensual y con cubiertas a dos tintas. Comenzó como órgano de prensa de entidades hípicas, relacionadas con un alto nivel adquisitivo. Publicaba noticias también de turismo, fotografía y finanzas. Una revista de sociedad que llegó hasta 1936. Su ámbito geográfico principal fue Madrid. En el final de 1925 informaba del fútbol en Madrid con entrevistas a varios jugadores, con firmas reconocidas en el deporte. Como curiosidad: Habla de arte y artistas en un artículo de Hesperia, donde se cita a Santiago Costa, Tellaeche, Sainz de la Maza, José Clará y Guillermo Ruiz. Y el fútbol extranjero, el boxeo o el cross. En las noticias de finanzas se cita el fallecimiento en 1925 de dos figuras históricas de España: Antonio Maura y Pablo Iglesias.

     En enero de 1926 la portada está protagonizada por el futbolista madrileño Ernesto Mejías. Destacamos junto a las noticias deportivas de Madrid y los deportes universitarios, los trabajos de la Comisaría Regia de Turismo que presidía el marqués de la Vega Inclán (relacionado con el Museo del Greco y Cervantes, entre otros proyectos) con motivo de su obra España, el centenario de la Catedral de Toledo y el funcionamiento de la Oficina de Nueva York.

Gran Vida, enero de 1926

     

La Esfera, año XII, número 625, 26 de diciembre de 1925

     

     
     La portada de La Esfera estaba protagonizada en su último número de diciembre de 1925 por un retrato de Isabel de Borbón cuando era Princesa de Asturias. Fue una revista de información general que se publicó entre 1914 y 1931 en Madrid. Considerada de gran calidad y la mejor de su época. Competía en su campo con Blanco y Negro. Relacionada también con Nicolás María de Urgoiti.

    Trató temas de actualidad general, teatro, cine, modas, deporte, industria, geografía, viajes, historia, arte, literatura, tanto de España como de otros países.

     En este número de diciembre llama nuestra atención un artículo El botánico y los botánicos, firmado por Ramón Gómez de la Serna. Y un segundo artículo sobre El resurgimiento de Córdoba para modernizar la ciudad de la mezquita con vistas a la demanda turística.

La Esfera, 3 de enero de 1926

      Contó con muchísimos colaboradores. Por ejemplo, el padre de Ortega y Gasset, José Ortega Munilla, o Ramón Pérez de Ayala, Unamuno, Carmen de Burgos, Rubén Darío, etc. Ilustraron desde Rafael de Penagos a Mariano Benlliure, pasando por Néstor o Julio Romero de Torres. Entre los fotógrafos destacamos a José Campúa.

      En el primer número de 1926 escribía José María Salaverría sobre El idioma que hablamos. Margarita Nelken escribía sobre La Virgen del Canciller de Van Eyck; o un homenaje a distintas labores sociales de entidades bancarias.

La Hormiga de Oro, 31-12-1925

     La Hormiga de Oro fue una revista ilustrada católica que se publicó entre 1884 y 1936 en Barcelona. Estuvo relacionada con Luis María de Llauder y de Dalmases, quien en sus orígenes se relacionó con el carlismo, pero que en la Restauración borbónica se adaptó a los nuevos tiempos. Participará en la aparición de El Correo Español en 1888. A principios de siglo XX llegará a tener una tirada de 30.000 ejemplares.

    Solía hacer semblanzas de católicos, representantes de su sector más conservador. Criticaba las ideas liberales y socialistas, pero adaptándose a cada periodo histórico. Tuvo varios directores a lo largo de su historia. En la revista colaboró Joaquín Xauradó y con el siglo XX empieza a publicar fotrografías de Merletti, Sagarra y Ojanguren.

     

San Antonio Abad en La Hormiga de Oro, 14-01-1926

          Si nos fijamos en estructura de la revista vemos en la portada de fin de año al profeta Isaías y en el interior noticias de contenido católico como la llegada de los Reyes Magos, el balance de la revista, un comentario de La adoración de los Magos de Gentile de Fabriano; un cuento sobre los Reyes Magos; la alegría de la lotería de Navidad; la caridad de los reyes de España; la previsión del centenario de Goya en 1928. Pero se vuelve a lo religioso con informaciones sobre la caridad con los pobres o se estudia el cuadro que hace referencia a la portada: El profeta Isaías y las Sibilas de Rafael. En el número de 14-01-1926 se hace un resumen de las fiestas navideñas y religiosas con el año del Jubileo y la fiesta de Cristo Rey. Entre estas, noticias de Madrid o de Santiago Rusiñol o grandes pintores religiosos como Poussin.

Mundo Gráfico, 12 de enero de 1926

     Mundo Gráfico publicaba en su portada de 6 de enero de 1926 una fotografía de la danzarina y actriz de cine Isabelita Ruiz. Había bailado con Vicente Romero y se encontraba en 1925 en un momento dulce de su carrera. La revista se editó entre 1911 y 1938 en Madrid. Tenía un aspecto moderno y se podía definir de información general con muchas fotografías. Nació de una escisión de Nuevo Mundo, tras la muerte de José del Perojo, saliendo Mariano Zavala, Francisco Verdugo y Campúa. Era una revista semanal de un máximo de 48 páginas, aunque la última de 1925 y la primera de 1926 cuentan con 22. Se considera la de peor calidad de las de Urgoiti, también la más económica y dirigida a una mayoría. Llegó a vender más de cien mil ejemplares en toda España. La dirigió Campúa y trabajó para él también el famoso fotógrafo Alfonso, que fue enviado especial en la campaña del Rif de 1909. Sufrió la censura en época de Primo de Rivera. Durante la Guerra Civil fue dirigida por Luis Linares y Campúa estuvo en varios frentes de guerra, ya con una menor tirada de páginas (8). En esta revista trabajó José María Carretero Novillo (El Caballero Audaz, fotógrafo, novelista y crítico), entre otros muchos.

     

Mundo Gráfico, 30 de diciembre de 1925

     La portada de Mundo Gráfico traía a otra bailarina, Victoria Pinillos, que fue cantante y vedette de la revista musical española. En la página 5 se publicaba una fotografía de Cámara de la famosa actriz Raquel Meller en la película "La tierra prometida". La actriz y cantante fue famosa por "La violetera" y "El relicario", apareció en la portada de Time y fue conocida internacionalmente. Chaplin utilizó "La violetera" en Luces de la ciudad. 

      Al ser una publicación hecha por fotógrafos, es interesante ver cómo eran autoridades de la época, el detalle de la información visual de las lluvias de fin de año torrenciales, o las fotos de cualquier suceso en el planeta gracias a la habilidad de sus fotoperiodistas.

La Unión Ilustrada, 27-12-1925. 

     Luisita Esteso era una joven estrella de variedades que protagonizaba la portada de 27 de diciembre de La Unión Ilustrada. Hizo buena parte de su carrera en Argentina. Actriz cómica, vedette y cupletista, trabajó desde muy joven en las tablas. En la foto tenía 17 años. 

     La Unión Ilustrada fue una revista que se editó entre 1909 y 1931 en Málaga. Está considerada como la mejor revista gráfica andaluza de los años veinte del siglo pasado. En su origen está la mano del empresario José Creixell Olivella, dueño de la imprenta La Unión Mercantil, que editaba el periódico del mismo nombre. Compitió en periodismo gráfico con Blanco y Negro, Nuevo Mundo, o Mundo Gráfico.

      Tenía periodicidad semanal, con paginación variable y con una gran cantidad de ellas de información gráfica. Se estructurará en temas de actualidad, ecos de sociedad, asuntos locales, nacionales o extranjeros. Usará el color a principios de la década de 1910.  Su mayor tirada fue de 42.000 ejemplares. Con el tiempo se irá posicionando hacia posturas conservadoras y monárquicas en la etapa republicana.

      El último número de 1925 evocaba (Zaragüeta) a Pablo Iglesias y Antonio Maura, en la página 8 se evocaba a Málaga por Legaza; había varios escritos y pensamientos sobre la Nochebuena, y por noticias varias se llegaba los reportajes fotográficos.

     La nieve en Navacerrada, la fiesta infantil organizada por la Asociación de la Prensa o la inauguración de una presa que se seguía de una boda aristocrática en Zaragoza. Imágenes congeladas en  los finales de 1925, en cualquier parte de España. 

Antonio Maura, La Unión Ilustrada, página 23, 27-12-1925

     No olvidaba la muerte de Antonio Maura. Ni las acciones militares en el norte de África. Los sucesos ocupaban otra parte importante de los reportajes gráficos.

      Los espectáculos musicales y el cine daban paso a una miscelánea de noticias variadas. Los anuncios cubrían buena parte del ejemplar de final de año. De los bombones a los remedios contra las hemorroides. Llegaba así, el lector, al final. Como todos los años, como todos los cuentos, como la vida.

Anuncios, La Unión Ilustrada, página 41, 27-12-1925

     

     

     

    -----     -----     -----

     Bibliografía consultada:

     - Hemeroteca Digital de la Biblioteca Nacional de España.

     - Los números de las revistas de diciembre 1925 y enero 1926 que se citan.

29-12-2025 15:44.  Actualizado 20:46

 

Sobre el origen de "Musicalia" (y 2).

 

Ortega y Gasset. Alejandro Cañada. Museo de Teruel. Fotógrafo: Jorge Escudero

     

     El 13 de junio de 2025, con motivo de los cien años de La deshumanización del arte de Ortega y Gasset, se celebraron una serie de actos en su memoria que incluyeron la conferencia audición “Escuchar Musicalia” que pretendía leer y escuchar fragmentos musicales citados por Ortega en sus artículos. Se oyeron sus ideas sobre Debussy, las comparaciones con Wagner o Beethoven; lo que pensaba de Bach o Chopin. Y la audición terminó con la interpretación de la Nana de Sevilla, en la versión de Federico García Lorca (1931)[1]. Quien recuerde esta nana no olvidará que la estrenó Encarnación López Argentinita:

     “Ese galapaguito no tiene mare…”

     La repercusión de las teorías orteguianas sobre el arte y la novela transformaron la publicación del libro en un acontecimiento que se extendió a las artes plásticas y la música. Ortega se refería así al arte en general que englobaba a la música nueva, a la nueva pintura, la nueva poesía y el nuevo teatro. Es 1925. Recordemos, el año de la exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos o cuando Guillermo de Torre publica Literaturas europeas de vanguardia.

       Cuando el mes de marzo de 1921 se dirigía hacia su última decena, Ortega retomó en El Sol la segunda parte de su artículo Musicalia, del que reseñamos la primera parte, escrita el 7 de marzo de 1921. 

     Como había mostrado reparos al romanticismo musical, matizaba esta crítica considerando que había superado, a su vez, a lo anterior al someter las pasiones al sentimiento.

     El romanticismo consagró el sentimiento al dotarlo de color y temperatura. Esta fue la labor de Goethe y Chateaubriand. Pero, tras la primera etapa de consagración del sentimiento, debía ser consciente de lo que sentía (comprometerse a sentir). Como manifestábamos con anterioridad, cada derecho debía tener una obligación que haría que este derecho no fuera injusto y estéril.

     La liberación, decía Ortega, en arte o en política, tenía valor como tránsito entre un orden imperfecto y otro más perfecto. Era el estado en el que se encontraba el Estado Liberal: un carácter provisional y no sólido que precisaba avanzar más y crear un nuevo orden; una nueva estructura social, una nueva jerarquía.

      Del mismo modo, la intención del romanticismo radicaba en creer que las emociones constituían una zona del alma humana más profunda que la razón y la voluntad. Al primer romanticismo de la liberación, seguiría un segundo cuyo lema era selección y jerarquía, que actuaría (reobraría dice Ortega) contra la anarquía de los gustos, que había producido el descenso grave del nivel de la sensibilidad europea.

      El arte evolucionaba inexorablemente hacia una progresiva purificación, eliminando cuanto no fuera puramente estético. Las divergencias entre la vieja y la nueva música, especialmente las de orden técnico, se derivaban del estilo en que expresaban los estratos de sentimiento distantes entre sí. Para los románticos, el arte era una bella envoltura que se endosaba a lo vulgar. Para los modernos, según Ortega, el arte era un arisco imperativo de belleza integral. Preferir Mendelssohn y su Marcha nupcial a Debussy y su Iberia es exaltar lo inferior y violar lo superior. 

      Y a la diferencia de estilos se suma también el goce de sus músicas. Pensaba que era necesario plantear una doctrina que compusiera una doctrina de la fruición: una disciplina y técnica del goce. Un arte del arte.

      Nuestra alma, decía, tiene dos actitudes antagónicas cuando se dispone a disfrutar de la música: una concentración hacia dentro y una concentración hacia afuera. La concentración hacia dentro se produce cuando se abre en el fondo de nuestra intimidad recuerdos placenteros que nos cierran al mundo exterior.

     En el caso de que un ruido brusco nos haga despertar de esa intimidad y hubiéramos emergido al exterior, poniendo todos nuestros sentidos en la nueva situación, nos encontraríamos en la concentración hacia afuera. Esta diferencia se establece al oír la romanza en fa de Beethoven porque la escuchamos atendiendo al flujo de emociones que surgen en nosotros. No gozamos de la música, gozamos de nosotros mismos.

     La música de Debussy o Stravinski nos invita a una actitud contraria. Hace que nuestros sentidos, nuestro oído, se fijen en los sonidos mismos, en lo que acontece en la orquesta, recogiendo sonoridad tras sonoridad, apreciando su color y forma. Paladeándola. Es una música externa a nosotros, un objeto distante, localizado fuera de nuestro yo, ante el que somos puros contempladores, porque nos interesa.

     Resume su visión diciendo que todo estilo artístico que vive de los efectos mecánicos obtenidos por repercusión y contagio en el alma del espectador es naturalmente una forma inferior de arte. Como el melodrama o el folletín. Tiene una gran capacidad de arrebatar y crear una intensidad de efectos. Aclara Ortega: es un error creer que el valor de una obra se mida por la capacidad de arrebatar a los sujetos. Entonces los géneros superiores serían las cosquillas y el alcohol.

       El Arte, lo escribe con mayúsculas, es contemplación, no empujón. Esto supone una distancia entre lo que ve y lo que no se ve. La belleza, suprema distinción, exige que se guarden las distancias. Sepamos contener nuestro arrebato[2].

Adolfo Salazar. Wikipedia

       De los artículos sobre Musicalia de Ortega se aprecia que la música se había convertido en un tema de interés intelectual que eclosionaría con la generación del 27 de la música (grupo de los ocho) hasta llegar a la Guerra Civil. El debate, además, salió de las páginas de la crítica musical en Espectáculos Varios como síntoma de su vigor. Era cuando Falla estrenaba El Retablo de Maese Pedro, y Adolfo Salazar con Falla tutelaban a los hermanos Halffter, Pittaluga o Salvador Bacarisse. Y cuando la generación del 14 ya había consagrado a Turina, Óscar Esplá o Jesús Guridi[3]. Salazar pudo influir en las ideas musicales de Ortega por su relación en El Sol, siendo ambos europeístas y partidarios de la nueva música. Y Salazar, como el crítico más importante del primer tercio del siglo XX.

     En la primera entrega sobre Musicalia se citaba la visita de Adolfo Salazar a Cuba cuando Alejandro García Caturla hablaba de la hospitalidad que recibiría el crítico musical en La Habana. En otra carta, de 25 de noviembre de 1929, antes de llegar a Cuba, ya le decía a García Caturla que en los preliminares, no en la visita, los Quevedo estaban portándose de un modo que difícilmente podré olvidar.

Alejandro García Caturla. Wikipedia

     Como recuerdo de aquel viaje evocamos a Alejandro García Caturla que utilizó como emisario de una carta a Antonio Quevedo para entregársela a Salazar al no poder coincidir con él. Circunstancia que fue subsanada en la segunda visita de Salazar en 1937, donde los señores Quevedo presentaron a Adolfo Salazar y Alejandro García Caturla[4]. García Caturla fue un músico y abogado cubano de corta pero intensa vida intelectual, que murió asesinado en 1940. En la revista Musicalia encontró una plataforma de difusión de sus ideas musicales.

---

[1] https://ortegaygasset.edu/musica-y-escena-en-el-congreso-sobre-la-deshumanizacion-del-arte/

[2] ORTEGA Y GASSET, J.: Musicalia II. El Sol. 21 de marzo de 1921.

[3] OLIVER GARCÍA, J. A.: Ortega en el debate entre romanticismo y nueva música. Temas para la educación, Revista digital para profesionales de la enseñanza. Federación de enseñanza de CC. OO. de Andalucía. Núm. 20. Mayo, 2012.

[4] SALAZAR, A.: Epistolario 1912-1958. Edición de Consuelo Carredano. Fundación Scherzo/ publicaciones de la Residencia de Estudiantes. Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música. Madrid. 2008. Cartas entre Alejandro García Caturla y Adolfo Salazar antes y después de su viaje a Cuba en 1930. Volvió a visitar la isla de Cuba en 1937. Reseña 6-11-25 Archivo Museo Sánchez Mejías.

27-12-2025 17:52 Actualizado 18:41

Sobre el origen de "Musicalia" (1)

 

Ortega y Gasset (42 años). Leandro Oroz. Museo del Romanticismo

     En la primavera de 1930, Adolfo Salazar, el reputado musicólogo y crítico de El Sol, viajó a Cuba invitado por la Asociación Hispano Cubana de Cultura y la Sociedad Pro-Arte, que dirigía el matrimonio de músicos españoles residentes en La Habana, María Muñoz y Antonio Quevedo. Editaban la revista Musicalia, portavoz del movimiento renovador de música cubana, entre cuyos números pudieron recogerse interesantes artículos y puntuales reseñas de los libros publicados por Salazar. Fue un gran acontecimiento la presencia del musicólogo español en la isla, que se tradujo en el lleno absoluto de las salas donde dictó una serie de conferencias sobre el romanticismo musical, que sustentarían su libro El siglo romántico (1936), y que dedicaría «a mis amigos de La Habana». Un viaje a Cuba que le dejó gratos recuerdos; a su regreso a España, en una docena de artículos en El Sol (verano de 1930), relataría sus impresiones de viaje. En ellos deja constancia de un acusado interés por la música y los ritmos afrocubanos que tuvo ocasión de conocer en compañía de García Lorca, cuya estancia coincidió con la suya. Y, juntos, hicieron el viaje de regreso a España. Salazar fue uno de los que influyó en la inicial carrera de Federico García Lorca en Madrid.

     Lorca, recordemos, había estado en Nueva York. Los contrastes sensoriales de la gran ciudad americana y la estancia en Cuba impregnaron Poeta en Nueva York (1929-1930); y, hagamos memoria, fue cuando se hizo compadre de su comadre Argentinita como padrinos en el bautizo del hijo de Federico de Onís; y, recordemos más,  cuando consiguió que Ignacio Sánchez Mejías diese la conferencia El pase de la muerte en la neoyorquina Universidad de Columbia.

     Salazar ya fue avisado de la hospitalidad de los Quevedo por Alejandro García Caturla[i]. Aquí lo que nos interesa es el origen del nombre de la revista Musicalia. De los Quevedo se ha ocupado Ignacio García-Noblejas[ii] y únicamente nos referiremos parcialmente, sobre todo, en lo referente al carácter amable de estos españoles, coruñesa y manzanareño, en La Habana.

La Primera Guerra Mundial. "Política exterior"

     Dentro de la Edad de Plata de la cultura española hay que destacar que la música tuvo su edad áurea gracias a intelectuales que promocionan en medios de comunicación sus conocimientos en la crítica musical. Es el caso de Julio Gómez en El Liberal, Juan José Mantecón en La Voz, y, sobre todos, Adolfo Salazar en El Sol, periódico en el que colaboraron Gustavo Pittaluga y Rodolfo Halffter, además del alma mater intelectual del diario, José Ortega y Gasset.

     Entre los debates dialécticos que se suscitaron destaca el que se produce entre los favorables a la música romántica dominante y la nueva música, contraria a los románticos, que representaban Debussy, Falla, Stravinsky y Ravel. Había también un trasfondo político inserto en la neutralidad española durante la Primera Guerra Mundial. Wagner y Strauss, lo establecido, eran defendidos por los germanófilos, seguidores de austriacos y alemanes, y los aliadófilos, seguidores de franceses e ingleses, defendían la nueva música de Ravel y Falla. La importancia de este debate hizo que se produjera la intervención de José Ortega y Gasset, reconocido aliadófilo[iii].

     Y es en 1921, cuando en dos entregas escribe Musicalia en El Sol. Musicalia aparecerá posteriormente (1921) en el tomo III de El Espectador, como elaboración previa de La deshumanización del arte (1925). El Espectador nació con la intención de convertirse en una revista unipersonal del filósofo, que debido a sus múltiples quehaceres se fue convirtiendo en una obra de ocho tomos. Mostraba la curiosidad de Ortega ante cuanto acontecía en el mundo y lo redactaba con una prosa llena de metáforas, durante sus viajes, y llena de reflexiones filosóficas. Y en esta prosa ejercía una fina crítica literaria y artística[iv].

     Comenzaba Musicalia[v] señalando que el público de los conciertos seguía aplaudiendo a Mendelssohn y desaprobando a Debussy por la poca popularidad de la música francesa. Creía que el público odiaba lo nuevo por el hecho de serlo. Pero que, si algo había valido sobre la tierra, había sido hecho por unos pocos hombres en contra de la ignorancia y el rencor de las gentes.

     Es ese público que ayer silbaba a Wagner y con la nueva música, silba a Debussy. Ortega se cuestionaba por qué con Wagner la gente había cambiado con el tiempo. ¿Ocurriría igual con Debussy? El músico alemán había dejado de ser novedoso y sus óperas eran un triste tratado de Geología, y, por ello, era aclamado. Si todo lo nuevo es impopular, hay cosas que lo siguen siendo incluso llegadas, como, por ejemplo, la vejez, decía Ortega, con un fino sentido del humor.

    Y hay músicas, ideas, actitudes morales conminadas a conservar ante las muchedumbres una irremediable virginidad. Hay culturas enteras, decía Ortega, que son impopulares.

     Utilizaba comparaciones entre las culturas asiáticas, donde observaba que no había apenas principios que no fuesen comunes al erudito y al vulgo, y la cultura europea, donde esa distancia sí era evidente. Desde sus primeros tiempos; y ponía como ejemplo la homérica Iliada, únicamente cantada en fiestas cortesanas durante siglos. De ahí nace la hostilidad imperecedera del vulgo a la minoría creadora.

     Dentro de nuestra propia cultura ha sido distinto el índice de popularidad de las creaciones humanas. En 1921, Ortega manifestaba que la Matemática y la Física no eran populares por incomprendidas. Ponía el ejemplo de Einstein, cuyas ideas eran solamente comprendidas por unas docenas de personas en todo el planeta. Más aún, es difícil lo que no comprendemos, ya que es intrincado o complicado. Pero eso no es dificultad: es que no ha sido explicado. Y ahí está el quid de la impopularidad de Debussy.

     La música de Debussy es pariente del simbolismo poético y del impresionismo pictórico (Hoy nosotros, tal vez, haríamos alguna revisión crítica a esta percepción). La música de Debussy ofrecía la mejor ocasión para indicar en qué consistía. Era menos intrincada que Beethoven y Wagner, de complicadas arquitecturas y se hacía difícil al vulgo porque no era conocida. Era impopular.

     Ortega creía que el arte era expresión de sentimientos, emociones. Pero no solo estos dos aspectos. Cuando se habla de música, cuando se cambia de estilo musical, esta que es sentimental, pasa de expresar sentimientos de una clase a expresar sentimientos de otra.

     Si en la Sexta de Beethoven  se expresan los sentimientos de la clase burguesa, La siesta del fauno de Debussy expresaba los sentimientos estéticos del artista, sus emociones. Las de Claude Debussy. Y de ahí su impopularidad.

     Y aquí entra el análisis más político de Ortega porque señala que la sociedad burguesa, nacida de las revoluciones liberales francesas y atlánticas que nos trajeron los derechos de los ciudadanos, fracasará en su ensayo de democracia si no le agrega una proclamación de obligaciones. De esta falta de obligaciones acusa a los románticos.

     Hacemos aquí un paréntesis en el ensayo orteguiano de Musicalia, que remataremos en otra entrega, para señalar que para Ortega las funciones espirituales o de cultura eran también funciones biológicas. No eran esferas separadas, sino una sola vida natural y reflexiva, donde lo reflexivo potencia la vida.

      Las diferentes formas de cultura tienen en común, producto de esa reflexión, el acto creador, aquello, dice Ortega, en el que se extrae el significado de algo que todavía era insignificante. Y lo que era vida espontánea y natural se convierte en algo objetivo, libre de arbitrariedad y capricho.

     La cultura tenía/tiene como meta suprema un ideal de claridad, de esclarecimiento de la vida, de esa la realidad radical que se nos da bajo la forma de vida individual. Y esto resulta casual y falto de significación. Es preciso extraer su espíritu, su sentido, su conexión y unidad. Y formar sobre estas una zona de vida ideal[vi]. (continuará).

José Ortega y Gasset

---

[i] SALAZAR, A.: Epistolario 1912-1958. Edición de Consuelo Carredano. Fundación Scherzo/ publicaciones de la Residencia de Estudiantes. Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música. Madrid. 2008. Carta de Alejandro García Caturla a Adolfo Salazar antes de su viaje a Cuba en 1930. Volvió a visitar la isla de Cuba en 1937. Reseña 6-11-25 Archivo Museo Sánchez Mejías.

[ii] GARCÍA-NOBLEJAS SANTA-OLALLA, I.: Antonio Quevedo y Sánchez, un manzanareño en Cuba. Océano Atlántico. Guadalajara. 2025.

[iii] OLIVER GARCÍA, J. A.: Ortega en el debate entre romanticismo y nueva música. Temas para la educación, Revista digital para profesionales de la enseñanza. Federación de enseñanza de CC.OO. de Andalucía. Núm. 20. Mayo, 2012.

[iv] https://ortegaygasset.edu/ortega-y-el-espectador/

[v] ORTEGA Y GASSET, J.: Musicalia en El Sol, 8 de marzo de 1921.

[vi] SÁNCHEZ MECA, D.: Historia de la filosofía moderna y contemporánea. Dykinson. Madrid. 2010. Páginas 631-672.   

23-12-2025 22:52 Actualizado 27-12-25 18:31

17 de diciembre de 1977. Cincuenta años no es nada.

 

     

ABC, 16-12-1977. Embajador sueco entrega certificado monetario premio Nobel de Literatura.

     8 DE DICIEMBRE DE 1977: EL PAÍS

     Homenaje a la generación del 27 en Sevilla

     Entre el 14 y el 17 de diciembre se celebrará en Sevilla una serie de actividades culturales que conmemorarán el cincuentenario de la generación del 27 y serán, de algún modo, homenaje a los poetas vivos de aquel grupo poético, y especialmente a Vicente Aleixandre, recientemente distinguido con el Nobel de Literatura. El comité patrocinador de esta celebración cuenta con los nombres de Dámaso Alonso, Pedro Altares, Carlos Barral, Carlos Bousoño, Paco Brines, Antonio Buero Vallejo, J. M. Caballero Bonald, José Luis Cano, Josep María Castellet, Pablo Corbalán, Gerardo Diego, Antonio Gala, Jorge Guillén, Pepe Hierro, Luis de Pablo, Miguel Rubio y Andrés Sorel.

     Entre los actos programados figuran conferencias de Luis de Pablo sobre la música de la generación, de José Luis Cano, sobre la poesía del 27 y Vicente Aleixandre, especialmente, y de Miguel Rubio, que hablará del cine del grupo y presentará películas de la época, entre ellas La edad de oro y Un perro andaluz, de Buñuel. En la Universidad sevillana se llevará a cabo un amplio coloquio sobre la generación, en el que intervendrán Caballero Bonald, José Hierro y Andrés Sorel, y la aportación viva de Juan Sierra, poeta y compañero de la generación, hoy olvidado. Una lectura poética, en la que se hará público el texto expresamente escrito por Dámaso Alonso para estas jornadas, cerrará los actos que, coincidiendo con las actividades reseñadas, mantendrán abierta una exposición de libros, cartas, fotos, revistas y recuerdos del 27.

     La comisión organizadora del homenaje a la generación del 27, en Granada, decidió ayer suspender los actos que tenía previstos para estos días como consecuencia de las tensiones que se viven en la región a raíz del Día de Andalucía.

     Como se sabe, en Sevilla se aglutinó el origen de la Generación, y de allí se considera el propio Aleixandre.

     -----     -----     -----

 

        17-12-1977. De nuestro corresponsal J. B. Filgueira para Ya:

     AQUELLA GENERACIÓN DEL 27

     El embajador sueco acaba de entregar a Vicente Aleixandre, en su propio domicilio, el certificado correspondiente al premio Nobel. Dicen que este premio ha sido un reconocimiento a la vez de nuestra "generación del 27". Otro poeta de aquella formidable generación, Jorge Guillen, habla para "Blanco y Negro" de aquel grupo de buenos amigos y mejores poetas: "Cuando hablo de la generación del 27 me refiero sólo a diez poetas—no de tantos como existían entonces—; el grupo éramos diez, de los que ya sólo quedamos cinco. Todos distintos, cada uno tenía su voz propia, su forma de ser y de pensar. Eso sí: nos unía un espíritu común: la amistad. Lo más original del grupo es que éramos siempre un grupo de amigos. La guerra civil, la mundial, la emigración, los muchos problemas que nos han perseguido no han sido suficientes para romper el vínculo de amistad que nos unió." (Archivo Linz de la transición española. Fundación Juan March. Registro R-3997).

ABC, 14 de diciembre de 1977: Los reyes de España visitan a Vicente Aleixandre, que estaba acompañado de Gerardo Diego, Dámaso Alonso y Pedro Sainz Rodríguez. 

     -----     -----

 

     ABC, sábado 17 de diciembre de 1977. Pág. 21.

     SEVILLA AL DÍA

     IGNACIO

     Sólo un hombre como Ignacio pudo ser capaz de conseguir atraerse la simpatía, la admiración, el respeto y la amistad de unos seres que, andando el tiempo, convertirían en historia y en anécdota su paso por Sevilla. Ignacio obró como el aglutinante de aquel grupo que resultó ser la mejor cuadrilla poética del medio siglo de oro contemporáneo.

     Ignacio, sí. Ignacio Sánchez Mejías, torero y escritor (hace un año se publicó un libro que recogía su producción teatral, estrenada e inédita), es la figura que, en justicia, debe presidir los recuerdos de esta semana, en la que se conmemoran los cincuenta años del arribo feliz a Sevilla de los poetas de la generación del 27.

     Dámaso Alonso- que por entonces fue coronado de laurel en la Venta de Antequera- ha evocado el viaje, reconociendo que «todo, en realidad, se debía al cariño (y sospecho que también a la esplendidez) de Ignacio Sánchez Mejías». En la Finca de «Pino Montano», recital de poesías y fiesta de disfraces organizada por el torero-escritor con y para sus amigos invitados, que una noche atravesaron en barca el crecido Guadalquivir, con el miedo sin maroma de Federico García Lorca.

     Ignacio era como el hermano mayor de todos ellos. Por entonces-diciembre de 1927-, ya había cumplido los treinta y seis años. Tres meses después estrenaría su primera obra teatral, poniendo en escena la segunda en poco tiempo.

     Por las fechas que hoy conmemoramos, Ignacio acababa de retirarse del toreo, al que regresó para morir siete años más tarde. El mito formado en torno a su figura venía desde muy atrás. Sus amigos se lo encontraron ya fabricado y le pusieron timbre de inmortalidad. Pero a nadie se le ocurrió agrupar su teatro en un volumen, como hizo con desinterés y amor el catedrático granadino Antonio Gallego Morell, que cuando ocurrió la tragedia en Manzanares tenía once años.

     Sí, Ignacio merece ser reconocido antes que nadie por cuanto significa es este cincuentenario. Otro Ignacio «tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace».

                                                            CARO ROMERO

     -----     -----     -----

 

     Las noticias del 17 de diciembre de 1977 amanecían teñidas de sangre por el asesinato de un concejal en Irún. La falta de seguridad fue editorializada por ABC. La preocupación era también económica: La Diputación de Sevilla estaba en números rojos. El editorial de EL PAÍS se dirigía hacia la aprobación del presupuesto para 1978, en los que observaba zonas oscuras y rapidez en su tramitación.

     Habían pasado cincuenta años de los actos fundacionales de la generación del 27. Acababan de premiar a Aleixandre con el premio Nobel. Era una especie de recompensa a un grupo de poetas mayores, en una España que intentaba dar pasos a la consolidación democrática tras las primeras elecciones libres.

      Hemos escogido tres artículos de prensa: EL PAÍS informaba el 8 de diciembre de 1977 de los actos que se celebrarían en el cincuentenario en Sevilla. Ya hacía referencia a la concesión del premio Nobel a Vicente Aleixandre y ABC recordaba a Ignacio Sánchez Mejías como torero, escritor, amigo, cicerone y compadre de los poetas del 27.

17-12-2025 22:11 Actualizado 18-12-25 10:45

Chufliyas, gloria y seguirillas: Alberti y Maruja Mallo

 

Colaboración Maruja Mallo y Rafael Alberti. Fuente: ABC

     En la retrospectiva de Maruja Mallo en el Centro de Arte Reina Sofía se exhibe un dibujo con el título Chuflillas de El Niño de la Palma, una colaboración que hizo con Rafael Alberti. El dibujo fue publicado en ABC el 9 de noviembre de 1930. Se acompañaba de tres poesías del poeta portuense. La primera, del mismo nombre que el título del dibujo. La segunda, Joselito en su gloria, y la tercera, Seguidillas a una extranjera. 

     Con Alberti había colaborado en La pájara pinta, colaboración que no cuenta en La arboleda perdida, pero sí en un artículo de 1985 en El PAÍS. Ella preparaba los figurines y decorados, la música era de Óscar Esplá. Al final, se estrenó solamente el prólogo. Es también cuando cita la relación y ruptura con Maruja y el accidente de Mallo con Mauricio Roesset que le recuerda a la fábula de Píramo y Tisbe que cantó Ovidio. Mauricio cree que ha muerto Maruja en el accidente y se suicida. Mallo sobrevive tras una dura recuperación transformadora de su pintura.

Mago Pim Pam-Pum Fuente: AIC

     Asunto que no se cita en la retrospectiva que se expone en el museo Reina Sofía. Y que podemos apreciar en las diferencias entre la serie Verbenas, vean El mago Pim Pam Pum, manco valleinclanesco, y la serie de Cloacas y campanarios, como Antro de fósiles. El ascenso de los totalitarismos, su vida personal y la relación con la Escuela de Vallecas afecta a su pintura. Que luego volverá a cambiar con la serie de las espigas en los años de la guerra civil, y la del conocimiento del Pacífico en el exilio.

 

Antro de Fósiles. Fuente: MNCARS

     Y ayer, 13-12, estuvimos viendo el manuscrito de Joselito en su gloria en el Archivo Museo Sánchez Mejías. En una de esas casualidades, al ver la exposición de Maruja Mallo, recordamos que el archivo museo Sánchez Mejías guardaba originales o copias de primeros poemas de Alberti, entre ellos el dedicado a José Gómez, su cuñado, en el séptimo aniversario de su muerte, con la anécdota del encierro en una habitación de hotel. Sabemos que en el archivo está también el manuscrito/copia del poema de Seguidillas a una extranjera, aunque no en exhibición, sino en archivo. Los tres poemas se publicaron en el poemario El alba del alhelí, que recoge poesías de 1925-1927.

    Otro aspecto que nos llamó la atención fue el vídeo de la entrevista de Maruja Mallo con Paloma Chamorro. Es moderno y corto. Apto para rápidos consumos que no aprecian todo el pensamiento pictórico de Mallo. En 1980, Joaquín Soler Serrano entrevistó durante casi una hora a Maruja Mallo y le permitió, dentro de una escenografía más clásica, dar rienda suelta a todas sus ideas de forma coherente.

Chufliyas de El Niño de la Palma. Maruja Mallo. MNCARS. bmre

14-12-2025 21:07 Actualizado 15-12-25 16:54